La violencia no lleva a nada

           

            César Chávez, un luchador digno de recordar, el cual con gran carisma, fuerza y valentía representa a esta persona que luchó por los derechos de todos los trabajadores México americanos y filipinos en la década de los 60´s en California.   Diego Luna nos muestra cómo fue ese transcurso de vida de dicho héroe, al enfrentarse al gobierno y agricultores de alto poder en California. Para esos años las injusticias y salarios bajos de los trabajadores inmigrantes estaban a la orden del día. Chávez, basado en el respeto, la justicia y la no violencia logra su cometido y gracias a eso cambia la vida de muchos trabajadores.

Una película funciona gracias a; los documentos de archivo, en los cuales puedes ver los videos reales de la época de cómo se llevaba a cabo esta lucha. Es un film muy dinámico, al presentar la vida de los trabajadores, la vida personal y laboral de César Chávez, el gobierno y los empresarios agricultores. La presentación y desarrollo del personaje principal es básica, ya que empieza con un pequeño sueño de lograr la justicia, poco a poco va tomando fuerza y recaudando gente que lo apoyan y que a pesar de las adversidades con las que se encuentra , lucha fuertemente con su ayuno, cruza el océano, forma un movimiento y  llega a su cometido.  Logrando así un mejor entendimiento para el espectador de cómo vivían y cómo tomaba la situación cada personaje.  

Las actuaciones de los personajes son claves también, ya que son la base para cautivar al público. Dejando un poco de lado la historia, las caras de tristeza, necesidad y coraje de los trabajadores. La tenacidad de los cómplices de César y el esfuerzo, la sinceridad en sus ojos y sencillez del mismo, le dan más fuerza a la película para que cautive y no se haga tediosa esta historia biográfica.

La película aporta grandes sentimientos y valores positivos de motivación y lucha contra las injusticias que se vivían y viven actualmente en mundo. César Chávez nos muestra un retrato convincente e inspirador de la valentía de un hombre para hacer de una situación  injusta, un  bien para muchos trabajadores de California, dándoles mejores salarios y mejor forma de vida. Diego Luna crea una película que puede generar polémica y re capacitación sobre el tema de la injusticia, a su vez con respecto a problemas similares del  mundo actual.

por; Max V.

Si te toca, aunque te quites.

Jesús Castillo

Entrar a ver “Amor a la carta” sin ningún tipo de alimento, ya sean palomitas o un baguette, puede ser considerado como un gran error ya que la trama en sí inicia y se basa en la apetecible comida que se nos presenta en pantalla. Esta película, dirigida por Ritesh Batra, presenta la historia de un hombre y una mujer que llevan una vida solitaria en una de las ciudades más pobladas del mundo y que encuentran una conexión a través de un medio de comunicación casi obsoleto: la carta.

         Por medio de un sistema de entrega de comida casi perfecto, Fernandes recibe el almuerzo erróneo que lo lleva a un giro inesperado en su vida.  Conoce a Ila, la cocinera, únicamente por pequeñas notas que se mandaban en el envase de la comida y que posteriormente se convierten en cartas donde su contenido los guían a querer encontrarse en persona y crear una vida juntos; lo cual parece imposible debido al contexto que los acecha: la diferencia de edades.

         El género de esta producción es una comedia romántica. Como ya se ha presenciado en varias películas del mismo género, lo que se pretende lograr es una combinación de emociones que hagan al espectador pasar de una carcajada a un momento de seriedad, reflexión y hasta tristeza sin perder la esencia de la historia. “Amor a la carta” maneja muy bien este factor. Presentan las situaciones y el contexto de cada personaje casi sin usar diálogos, es decir, puramente visual a través del uso del espacio. A partir de esto y después de generar un estado de ánimo y ritmo en el público, rompen con inteligencia el mismo al plantear a Shaikh, un personaje extra que desde su apariencia, forma de comunicación verbal y manera de desarrollarse dibuja una sonrisa en los espectadores. Entre él y la tía de Ila se juegan el papel de amenizar, tapizar o nivelar la combinación de drama/comedia de la trama.

         Los aspectos técnicos también dejan un buen sabor de “vista”. El uso de colores opacos o neutros dan apoyo a la situación emocional de los personajes mientras que la iluminación cálida entra en las situaciones cómicas o alternas al conflicto principal de los protagonistas. Por otro lado, el director optó por manejar planos cerrados durante casi toda la película. Esta decisión ocasiona cierta frustración o sentimiento de encierro, cosa que pueden estar sintiendo los mismos personajes al sentirse atrapados en su rutina de vida. Además supieron crear de manera clara el sentimiento de soledad, siendo que normalmente se usarían planos más abiertos con poca gente, cosa contraria a lo que se ve en esta película.

         En general, “Amor a la carta” refleja un buen equipo de producción con una manera de trabajo ordenada. Los diálogos que presentan no sólo mueven a la historia sino que ofrecen un contenido extra para adoptar y reflexionar. Todas las actuaciones principales son excelentes a excepción de la del esposo de Ila, quien vagamente aparece en la historia y cuando lo hace se nota forzado y no te atrapa en el papel. Otro aspecto que puede llegar a brincar del guión es la velocidad con la que Fernandes e Ila se interesan entre sí, parece sacado de la manga y muy repentino que se quieran conocer para irse a vivir juntos. La situación no fue tan progresiva como debió de haber sido, pero fuera de esto es una película muy recomendable que además de permitirnos ver otras costumbres, la idea original y desarrollo valen la pena ver.

Amor a la carta (2013)

Director: Ritesh Batra

Escritor: Ritesh Batra

Reparto: Saajan Fernandes (Irrfan Khan), Ila (Nimrat Kaur), Shaikh (Nawazuddin Sidiqqui).

Fuente: http://www.imdb.com/title/tt2350496/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm

Igmar Bergman

              

         Igmar Bergman, considerado como uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX y claro uno  de los cineastas más importantes de la cinematografía mundial.

Tras el análisis de 5 de sus más grandes trabajos; “Escenas de un matrimonio”, “El séptimo sello”, “Fresas salvajes”, “Fanny y Alexander” y  “Persona”. Bergman se puede caracterizar en su estilo, que tiene una narrativa visual muy lenta, con un montaje y una secuencia de planos fuera de ritmo, esto con el fin de lograr en el espectador, un suficiente tiempo de reflexión y análisis de sus obras. En lagunas de las dichas obras  la narrativa lenta es  la fuerza de la película, ya que  cuentan  mucho sin mostrar tanto, como es el caso de “Persona”.  El poder de sugestión. sin embargo tal lentitud hace que las actuaciones de los personajes resalten más y se pueda apreciar mejor ese trabajo como tales. Otra de las características principales  es  su estética fílmica, en otras palabras la limpieza de las imágenes, que va de la mano de la fotografía de las películas.  Donde se muestran escenas sobrias que en verdad cautivan al espectador gracias las actuaciones y la iluminación que utiliza.

          En la mayor parte de las películas vistas, Bergman crea personajes los cuales  van evolucionando pero sobre ellos mismos, los cuales van por  trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. En algunas ocasiones estos juegos de personales de los personajes llegan a conflictuar al espectador en base a la continuidad o desarrollo de los mismos y de las escenas. Incluso llegar a apoderarse del espectador llevandolo a una experiencia personal e inquietante. Todas estas trayectorias de superación o evolución de los personajes en algunas veces termina en la locura o en la muerte, en otros en un estado de gracia o simplemente llegar a comprender más sobre  su realidad, en la cual recapacitan y modifican el curso de sus vidas.

              Por otra parte, la sexualidad es un punto importante, ya que se puede ver en todas sus obras como se hace notar ese deseo carnal. En donde las cosas se llaman por su nombre y se habla sin censura sobre la relación sexual entre los personajes, como es el caso en “escenas de  un matrimonio” entre el matrimonio protagonista con el vocabulario que manejan sobre sus relaciones sexuales. Otro ejemplo es en “Persona” al mostrar un pene rápidamente al inicio de la película, o ese encuentro  que tiene la protagonista con otra mujer.

          La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes, originan historias angustiosas, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro de Igmar Bergman. Un poco lentas sus obras, sin embargo perfectas para reflexión y la observación. 

por: max volquarts

El trabajo de Martin Scorsese

Martin Scorsese

La presencia de Martin Scorsese dentro de la industria del cine parece ser bastante atractivo para muchos cinéfilos debido a su técnica  de narración y los temas que trata.

Scorsese es un director que se identifica por tocar  temas relacionados a la violencia, la locura, el exceso y un poco sobre religión. Algunos ejemplos los podemos identificar en películas como: Goodfellas, Infiltrados, Casino, Taxi Driver, Toro salvaje, entre otras. 

También podemos encontrar  la participación de Robert De Niro en la mayoría de ellas y más cuando tratan de algún tema principalmente mafioso. 

Tal vez, algunas personas llegarían a pensar que hablar de la mafia ya es un tema muy tratado por Scorsese y puede ser cierto pero lo que realmente atrae es la manera en que narra estas historias y la construcción de cada uno de los personajes. 

Dentro de la narración podemos ver que este director le gusta narrar la historia desde el inicio hasta el final con las consecuencias de sus actos, es decir, explica los orígenes de los personajes, su éxito y las consecuencias de sus acciones, sin importarle mucho el tiempo que le vaya a tomar la historia y es por eso que también se le identifica con películas de larga duración. 

Otro elemento presente dentro de la películas de Martin son los planos secuencia de larga duración y  el desenvolvimiento del diálogo a través de un narrador. Por ejemplo la película de Casino, la cual es narrada en voice over por Rothstein y Nicky que son los personajes principales, esta manera me parece que permiten hacer sentir al espectador como si estos personajes estuvieran teniendo una conversación íntima con él  y eso te acerca más a la historia. 

Y por último, simplemente me gustaría agregar que Scorsese sabe como mantener la historia en suspenso, es decir, que estés con la curiosidad  y la duda de cuál será el final de la historia aunque antes te muestra algunas partes de violencia pero podemos decir que es la manera en la que este director expone hasta donde puede llegar el hombre por bienes materiales, respeto o amor pero no siempre son películas fáciles de digerir.

Lo que sí, es que a través de los años y las diferentes películas de él podemos ver que  no sólo sabe hacer películas violentas o de mafia sino que también cambia y puede hacer interesantes trabajos como La invención de Hugo que es para niños y al mismo tiempo le rindió homenaje al cineasta francés George Melíes y el cine.

Andrea Muñiz Alamilla 

Luis Buñuel

Antes es necesario conocer un poco de Luis Buñuel... nace el 22 de febrero de 1900,  en 1925 me traslada a París; al año siguiente se inscribe en la Academia de Cine; en 1929 junto con Dalí escribe un guión que termina llamándose Un chien andalou; tras vivir entre España y Francia, decide viajara a Estados Unidos con su familia donde se establecen en Los Ángeles, es contratado en el MOMA (museo de arte moderno de Nueva York) pero es obligado a renunciar tras el escándalo provocado por la publican de su autobiografía: La vida secreta de Salvador Dalí.

Se establece en México en 1946, durante el mismo año rueda Gran Casico, con Jorge Negrete; en 1949 adquiere la ciudadanía mexicana y se estrena El gran calavera, Los olvidados que realizó 1950 gana el Premio a la Mejor Dirección en Cannes al año siguiente.

Se vuelve a trasladar a España para comenzar la preparación del rodaje de Viridiana, años después se muda a Francia y en 1983 estando en la Ciudad de México muere el 29 de julio.

Siendo que resumí la vida de Buñuel y no mencioné todos los trabajos que realizó, es necesario mencionar que el estilo de Buñuel fue influenciado tanto por la época en la que vivió, como las personas que frecuentaba (tenemos de ejemplo a Salvador Dalí, quien es considerado uno de los principales exponentes del surrealiasmo); por ello, gran parte de sus films muestran una corriente surrealista, sin embargo, Buñuel también se apegaba al mostrar la realidad tal y como se vivía, por ejemplo Los Olvidados la cual obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y esta película ha sido nombrada Memoria del Mundo por la Unesco.

Los Olvidados, relata la vida que transcurre en la ciudad de México en los años 50s, donde la historia gira alrededor de los niños - y no tan niños - que viven en la miseria, educados - a la mala - bajo las reglas de la calle y vemos los orígenes surrealistas de Buñuel plasmados en el sueño de uno de nuestros personajes, Pedro.

Siendo que durante toda su vida Buñuel integró el surrealismo en sus trabajos, hay veces que es necesario ver mas de una vez las películas ya que en algunas rompe con el cine con el que estamos acostumbrados a ver y no logramos entender el mensaje, si es que lo hay, dentro del film.

ML

El suspenso de Alfred Hitchcock

Jesús Castillo

Alfred Hitchcock es sin duda uno de los directores de cine más influyentes tanto en el medio como en los espectadores que lo vieron y lo siguen haciendo actualmente.  Su trabajo se basaba en la creación del suspenso y la innovación que generó al usar distintos tipos de planos, movimientos de cámara o efectos visuales lo posicionaron como uno de los grandes revolucionarios del entorno cinematográfico.

         El estilo de Alfred Hitchcock es muy reconocible pues a través de su gran repertorio de películas dirigidas se presentaban diversas características como la trama basada en  crímenes, el uso repetitivo de los mismos actores y la aparición de mujeres rubias como protagonistas. Aunque se estuvieran viendo dos películas distintas de él, se vería con claridad su dirección. Su originalidad le permitió mostrar algo nuevo al público pero siempre mantuvo su misma marca personal de presentar las historias.

         Entre las principales similitudes que pude observar está la manera en la que crea el ambiente de suspenso desde un principio para que el espectador caiga en la intriga. Hitchcock conocía a su público y la forma de acomodar todos los sucesos, la velocidad con la que lo hacía acompañado de música instrumental a tiempo con las actuaciones y emociones de los protagonistas estaban tan bien planeadas que es casi imposible dejar de verla antes de conocer el desenlace. Tras plantear las situaciones de las distintas películas, la trama inicial pasaba a segundo plano al preguntarte ¿qué es lo que pasará? Tras desarrollarse la historia, la problemática inicial hace su reaparición y encaja a la perfección con el guión.

         Por otra parte, el estilo de Hitchcock es muy observacional, es decir, tendía a presentar escenas sin diálogos de gran duración donde lo más importante era el ver las acciones de los personajes. Tal y como se presenta en “La ventana indiscreta” o en el comienzo de “Vértigo”, el espectador y el protagonista ejercen la misma función de observar lo que ocurre en el entorno de la historia para sacar conclusiones y dar continuidad a la trama. Del otro lado, la manera de presentar los diálogos y las actuaciones son muy características de la época. Se diferencian al ser muy marcadas o exageradas a la vida real y más si son acompañadas por efectos visuales.

         La creación de un buen ambiente de suspenso no sólo involucra una buena historia, música o actuaciones, sino que también va acompañada de una serie de planos y movimientos de cámara que impulsen o agranden este sentimiento. El maestro del thrill solía presentar cámaras fijas durante las conversaciones y movimientos de cámara lentos durante los momentos fuera de tensión; así de esta manera, podía acelerar las acciones y desconcentrar al espectador de un momento a otro, pero previamente predispuestos.

         Muchas de las películas de Alfred Hitchcock contaban con giros inesperados en la historia llegando casi al final. A diferencia de otras producciones de suspenso, éstas sabían encontrar la manera de no decepcionar al público al no terminar de una manera predecible. Durante las historias te vas formando una idea de lo que puede llegar a ocurrir, sin embargo, muy pocas veces llegas a adivinarlo y es lo interesante de su trabajo. El planteamiento de los finales falsos no siempre llegaban al final de la película sino pasando casi la mitad, donde se desarrollaba otro sub trama complementario e igual de interesante que el pasado.

        Algunas de las películas de Hitchcock duraban más de dos horas y otras eran más sencillas de digerir como “Psicosis”, sin embargo, todas mantenían la misma tensión que terminaba en engaño y satisfacción para los fanáticos.

CINEMA PARADISO

Fecha de estreno: 17 de noviembre de 1988 (Italia)

Director: Giuseppe Tornatore

Historia creada por: Giuseppe Tornatore

Reparto: Philippe Noiret, Antonella Attili, Marco Leonardi, Agnese Nano, Salvatore Cascio

Premios: Oscar a la mejor película extranjera

Una historia de amor… pero es necesario re-definir el termino “historia de amor” porque estamos mal acostumbrados y por consiguiente pensamos que se trata de dos personajes, por lo general hombre y mujer, que se aman, se enfrentan a un problema, pero al final terminan juntos.

En el caso de Cine Paradiso es mas una historia de amor hacia el arte del cine, el amor hacia un amigo que se convirtió en parte de tu familia o inclusive mas cercano.

Bueno… esto dependerá de cual de los dos finales se vea, por que depende del final para que la película cambie completamente de historia, ya que, por un lado te presentan la amistad y el amor al cine, con el otro, es el amor puro y sincero por una chica, hasra casí eterno...

Cine Paradiso es de las películas que, por lo menos, se ha tenido que ver una vez en la vida, la cual te hará sentir, llorar, preocuparte, reír, sentirás ternura por los personajes o por la situación; el director realmente logra transmitir esas emociones de una manera impecable y admirable.

Y con respecto a las dos versiones del final, creo que es necesario que uno como espectador los vea, ya que hay quienes consideran que el final de la versión del director es una gran “telenovela” cuando otros consideran que es un buen fin y hay otros que prefieren el otro final, el fin corto, y están quienes se quedan inconformes, así que mi recomendación en esta situación, es ver los dos finales, quizás con un día de separación, pero ver, juzgar y elegir con que final se queda uno.



ML