jueves, 15 de mayo de 2014

Dios no está muerto, pero la dirección sí.


Película: Dios no está muerto.
Director: Harold Cronk
Duración: 113 min
Reparto: Kevin Sorbo, Shane Harper, David A.R White, Dean Cain, Willie Robertson

Dios no está muerto, pero la dirección sí.

Bueno, ver la película de “Dios no está muerto” es ver todo estereotipo cursi estilo novela en 113 min. Guión y Dirección se encargan de dar una película al estilo “La Rosa de Guadalupe”. Lástima porque el mensaje de esperanza que envuelve la película es bueno, se cargan con buenos argumentos para defender la existencia de un Creador.

En cuanto a los actores, no sabría decir si es su culpa o de la dirección de actores, pero en fin, creo que no tenían mucha opción porque la intención de la película iba justo a que los personajes sean algo ridículos por la incoherencia y lo forzada que es la narrativa.

Algo que se salva, es la fotografía. Muy nítida, colores armónicos, iluminación en los personajes y paisajes impecables.

No tengo más que decir que es una película donde se arruina dar el mensaje de buenos argumentos de la existencia de Dios con las exageraciones y los clichés más absurdos en una sola película. Lástima, pero hasta eso si te deja pensando un poco acerca de ese mensaje de esperanza que se pierde un poco pero si lo analizas se llega a rescatar.

DENISSE CÁMARA

jueves, 8 de mayo de 2014

El huérfano adoptado en el cine.


 
El huérfano adoptado en el cine

Me tocó analizar algunas películas de Francois Truffaut como “Los 400 golpes”, “La noche Americana”, “Besos robados” y “Disparen al pianista”.

Debo admitir, que cuando vi por primera vez la de “Los 400 golpes” quedé algo decepcionada al principio ya que aunque abarca temas humanos psicológicos muy interesantes además de la búsqueda de la libertad, me pareció que quedaron cabos abiertos en varios personajes y eso me dejó insatisfecha en un inicio. Al seguir investigando acerca de la película y ver después la continuación de la historia de Antoine Doiniel en “Besos robados” y entender el contexto autobiográfico de la película en donde pude comprobar mi teoría acerca de la ausencia maternal y paternal del director (ya que su manera de envolvernos en el sentimiento de rechazo y olvido de nuestro protagonista abarca una empatía que no se puede ignorar) cambió totalmente mi perspectiva respecto a esa joya del cine que presenta la primera película de un joven Francois Truffaut.

Hay varias cosas que llaman la atención del cine de Truffaut. Comenzando por sus claro-oscuros que lo hacen un fiel admirador de Hitchcock y sus planos secuencias que se utilizan con gran audacia. Personalmente, el que se utiliza para introducir el tema de “La noche Americana” es mi favorito.

Algo que pude notar en el estilo de guión de Truffaut, es que sus personajes nunca son afectados por situaciones externas como la Segunda Guerra Mundial, persecuciones, la presión del rodaje de una película… sino que realmente lo que afecta a cada personaje siempre es el otro personaje.

Francois Truffaut nos transmite siempre conflictos interpersonales, tragedias humanas, preocupación por los más necesitados y siendo el mismo huérfano, también de las familias. Con personajes muy apasionados.

Algo que no se puede omitir de las películas vistas que mencioné anteriormente, es la ruptura de estilo en “Disparen al pianista”. Donde se ve un nuevo Truffaut, nuevo estilo de personajes como un antihéroe introvertido y una combinación de géneros que me parece ingenioso pero que entendería que causara tanta controversia en un público que vive esa experiencia de narración por primera vez.

Sin duda alguna, es un director de los grandes. Su primera película la comenzó a rodar en  1958 y siguió dirigiendo hasta su muerte por un tumor cerebral en 1984, a sus 52 años. Un amante del cine que plasma los conflictos humanos en sus películas dejando un poco de sus vivencias y anhelos en cada una de ella. Refiriéndose a estas cinco películas, nos cuenta su vida pasada, su presente en la vida del cine, nos habla de las relaciones, de las tentaciones y de un pianista que esconde su pasado.

Definitivamente, un huérfano adoptado en el cine. 

DENISSE CÁMARA

Pues, funciona.

Título: Non-Stop
Año: 2014
Director: Jaume Collet-Serra
Guión: Christopher Roach, John W. Richardson, Ryan Engle
Reparto: Liam Neeson, Julianne Moore, Lupita Nyong'o, Michelle Dockery, Anson Mount, Scoot McNairy, Bar Paly, Corey Stoll, Linus Roache, Jon Abrahams.

Pues, funciona. 

La película de "Non-Stop" es una típica película norteamericana de suspenso. Cuenta con unos cuantos momentos en el guión "sacados de la manga" (como dirían por ahí) pero que a fin de cuenta el público las perdona porque la dirección ayuda a distraer al público guiando todo el suspenso con un montaje que se adecúa perfectamente para jugar con la mente del espectador. 

El uso de enfocar distintos rostros de diferentes personajes constantemente es lo que hace que la película funcione. Ya que, aunque hay un momento evidente en la película donde se demuestra quién es realmente el asesino, suceden otras cosas que son muy bien guiadas con el movimiento y los diferentes planos que ayuda a que todo lo que parecía evidente se deje atrás. 

La fotografía es excelente, aunque el avión desde el exterior se llega a ver algo irreal. El sonido se maneja inteligentemente como distracción y creación de suspenso. Por ejemplo, cuando aparece algún personaje se escucha música tenebrosa de fondo, como si fuera él el culpable.

Las interpretaciones son buenas, aunque me parece que al final se notan un poco forzadas, justo a la hora de que nuestro protagonista se encuentra con su compañera de asiento después del aterrizaje. Parece que rompe totalmente con el perfil que habíamos observado en nuestro personaje principal todo el tiempo. 

En conclusión, aunque tiene varios detalles un poco incongruentes, el director logra desviar nuestra atención y nos sumerge a vivir el objetivo de la película: el suspenso de un asesino en serie suelto en un avión.  

DENISSE CÁMARA

PUNK IS NOT DEAD!


Director: Lukas Moodysson
Guionista: Lukas Moodysson, Coco Moodysson
Elenco: Mira Barkhammar, Mira Grosin, Liv LeMoyne

Vi är bäst!, traducido a Somos lo Mejor, a simple vista uno cree que será una película aburrida, dominguera, de esas que no te queda de otra, sin embargo, es todo lo contrario…
Lukas Moodysson nos relata la historia de dos chicas, Bobo y Klara –que están en los inicios de la pubertad- que viven en Estocolmo en 1980, que viven bajo la “leyes” del punk, aunque todos les digan que el punk ha muerto; deciden tener una banda, sin tener instrumentos, ni saber como tocar, se acercan a Hedvig, la chica solitaria de la escuela que es un genio con la guitarra; juntas logran crear su banda punk, hasta con una canción original y se presentan en el festival navideño.

Entonces, la película nos habla, tanto del desprecio por la sociedad hacia los “diferentes”, más la transición de adaptación que pasan las chicas en esa edad, donde también buscan su identidad y algo de contradicción, donde inconscientemente Bobo busca ser reconocida; donde nos lo muestran en la escena donde Bobo esta en el baño enfrente del espejo y le escupe a su reflejo.  
La película funciona por la historia que maneja y más por la actuación y el desarrollo de los personajes, ya que, aunque no parezca, llegas a conocer a las tres niñas, de donde viene, por que actúan como actúan y como las tres se complementan mutuamente.

ML

El final como herramienta del cómo.

El final como herramienta del cómo. 

¡Mujeres al ataque!
(The Other Woman, EUA, 2014)
Dirige: Nick Cassavetes
Actúan: Cameron Diaz, Leslie Mann, Kate Upton, Nikola Coster-Waldau
Guion: Melissa Stack
Fotografía: Robert Fraisse
Duración: 109 min.
Carly (Cameron Diaz)  es una  joven abogada que cree haber encontrado el amor después de haber desconfiado de los hombres durante mucho tiempo pero esto no dura mucho pues al quererle darle una sorpresa a su novio, ella es quien se sorprende cuando conoce a Kate ( Leslie Mann), la esposa de su novio Mark (Nikolaj Coster-Waldau). 
Kate también se sorprende con el hecho de que su esposo la estuviera engañando pero al sentirse sola e incomprendida busca como único desahogo a Carly por lo que se comienza a generar una extraña amistad que pronto buscaría la venganza. 
Pero esta venganza de nuevo sorprende a Carly y Kate  ya que descubren una tercera víctima de los engaños de Mark llamada Amber (Kate Upton), quien es una mujer bastante joven con un cuerpo escultural y que pronto unirán al plan. 
Estas tres mujeres con la principal meta de darle una lección a Mark, se dan cuenta de los fraudes que él realizaba y de cómo engañaba a Kate con cuentas bancarias falsas lo que no sólo les brinda la oportunidad de la venganza perfecta sino de unirse aún más como amigas.
Como podremos ver en esta película todavía se mantienen algunos clichés de las películas cómicas y en algunos momentos se puede llegar a percibir una actuación bastante exagerada principalmente por el personaje de Mark, Nicki Minaj y la secretaría de Carly. Mientras la actuación de Cameron Diaz y Leslie Mann pudiéramos decir que hubo un gran compaginamiento y desarrollo de sus personajes ya que parecían ser agradables, fluidos y naturales. 
Por último me gustaría agregar que el guión fue escrito por Melissa Stack y aunque podemos decir que el final es un poco predecible, también pudiéramos decir que lo reconocible es cómo se lleva a cabo la trama y la manera en que se narrando la historia.  
Andrea Muñiz Alamilla 

La violencia no lleva a nada

           
            César Chávez, un luchador digno de recordar, el cual con gran carisma, fuerza y valentía representa a esta persona que luchó por los derechos de todos los trabajadores México americanos y filipinos en la década de los 60´s en California.   Diego Luna nos muestra cómo fue ese transcurso de vida de dicho héroe, al enfrentarse al gobierno y agricultores de alto poder en California. Para esos años las injusticias y salarios bajos de los trabajadores inmigrantes estaban a la orden del día. Chávez, basado en el respeto, la justicia y la no violencia logra su cometido y gracias a eso cambia la vida de muchos trabajadores.

Una película funciona gracias a; los documentos de archivo, en los cuales puedes ver los videos reales de la época de cómo se llevaba a cabo esta lucha. Es un film muy dinámico, al presentar la vida de los trabajadores, la vida personal y laboral de César Chávez, el gobierno y los empresarios agricultores. La presentación y desarrollo del personaje principal es básica, ya que empieza con un pequeño sueño de lograr la justicia, poco a poco va tomando fuerza y recaudando gente que lo apoyan y que a pesar de las adversidades con las que se encuentra , lucha fuertemente con su ayuno, cruza el océano, forma un movimiento y  llega a su cometido.  Logrando así un mejor entendimiento para el espectador de cómo vivían y cómo tomaba la situación cada personaje.  

Las actuaciones de los personajes son claves también, ya que son la base para cautivar al público. Dejando un poco de lado la historia, las caras de tristeza, necesidad y coraje de los trabajadores. La tenacidad de los cómplices de César y el esfuerzo, la sinceridad en sus ojos y sencillez del mismo, le dan más fuerza a la película para que cautive y no se haga tediosa esta historia biográfica.

La película aporta grandes sentimientos y valores positivos de motivación y lucha contra las injusticias que se vivían y viven actualmente en mundo. César Chávez nos muestra un retrato convincente e inspirador de la valentía de un hombre para hacer de una situación  injusta, un  bien para muchos trabajadores de California, dándoles mejores salarios y mejor forma de vida. Diego Luna crea una película que puede generar polémica y re capacitación sobre el tema de la injusticia, a su vez con respecto a problemas similares del  mundo actual.

por; Max V.

Si te toca, aunque te quites.

Jesús Castillo

Entrar a ver “Amor a la carta” sin ningún tipo de alimento, ya sean palomitas o un baguette, puede ser considerado como un gran error ya que la trama en sí inicia y se basa en la apetecible comida que se nos presenta en pantalla. Esta película, dirigida por Ritesh Batra, presenta la historia de un hombre y una mujer que llevan una vida solitaria en una de las ciudades más pobladas del mundo y que encuentran una conexión a través de un medio de comunicación casi obsoleto: la carta.
         Por medio de un sistema de entrega de comida casi perfecto, Fernandes recibe el almuerzo erróneo que lo lleva a un giro inesperado en su vida.  Conoce a Ila, la cocinera, únicamente por pequeñas notas que se mandaban en el envase de la comida y que posteriormente se convierten en cartas donde su contenido los guían a querer encontrarse en persona y crear una vida juntos; lo cual parece imposible debido al contexto que los acecha: la diferencia de edades.
         El género de esta producción es una comedia romántica. Como ya se ha presenciado en varias películas del mismo género, lo que se pretende lograr es una combinación de emociones que hagan al espectador pasar de una carcajada a un momento de seriedad, reflexión y hasta tristeza sin perder la esencia de la historia. “Amor a la carta” maneja muy bien este factor. Presentan las situaciones y el contexto de cada personaje casi sin usar diálogos, es decir, puramente visual a través del uso del espacio. A partir de esto y después de generar un estado de ánimo y ritmo en el público, rompen con inteligencia el mismo al plantear a Shaikh, un personaje extra que desde su apariencia, forma de comunicación verbal y manera de desarrollarse dibuja una sonrisa en los espectadores. Entre él y la tía de Ila se juegan el papel de amenizar, tapizar o nivelar la combinación de drama/comedia de la trama.
         Los aspectos técnicos también dejan un buen sabor de “vista”. El uso de colores opacos o neutros dan apoyo a la situación emocional de los personajes mientras que la iluminación cálida entra en las situaciones cómicas o alternas al conflicto principal de los protagonistas. Por otro lado, el director optó por manejar planos cerrados durante casi toda la película. Esta decisión ocasiona cierta frustración o sentimiento de encierro, cosa que pueden estar sintiendo los mismos personajes al sentirse atrapados en su rutina de vida. Además supieron crear de manera clara el sentimiento de soledad, siendo que normalmente se usarían planos más abiertos con poca gente, cosa contraria a lo que se ve en esta película.
         En general, “Amor a la carta” refleja un buen equipo de producción con una manera de trabajo ordenada. Los diálogos que presentan no sólo mueven a la historia sino que ofrecen un contenido extra para adoptar y reflexionar. Todas las actuaciones principales son excelentes a excepción de la del esposo de Ila, quien vagamente aparece en la historia y cuando lo hace se nota forzado y no te atrapa en el papel. Otro aspecto que puede llegar a brincar del guión es la velocidad con la que Fernandes e Ila se interesan entre sí, parece sacado de la manga y muy repentino que se quieran conocer para irse a vivir juntos. La situación no fue tan progresiva como debió de haber sido, pero fuera de esto es una película muy recomendable que además de permitirnos ver otras costumbres, la idea original y desarrollo valen la pena ver.

Amor a la carta (2013)
Director: Ritesh Batra
Escritor: Ritesh Batra
Reparto: Saajan Fernandes (Irrfan Khan), Ila (Nimrat Kaur), Shaikh (Nawazuddin Sidiqqui).
Fuente: http://www.imdb.com/title/tt2350496/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm