Ruby Sparks

Expectaciones vs Realidad de un joven enamorado.   

Director: Jonathan Dayton, Valerie Faris  

Guionista: Zoe Kazan  

Quien no desearía encontrar a la pareja perfecta que fuera tal y como la deseamos y que haga todo tal cual nos gusta.  De esto es de lo que trata Ruby Sparks, de la inconformidad de la gente por una pareja que tiene pensamientos propios y que al final es lo que en realidad les gusta de ellos.  

El guión de esta película es interesante, tiene personajes bien planteados, aunque con características ya muy vistas, es ligero, agradable, maneja muy bien los momentos de tensión y los descansos que se dan entre uno y otro, logra transmitir el mensaje deseado tanto a través de las actuaciones como por los detalles que se le dan a las locaciones y por lo claro y bien planteado que es el drama en esta cinta.  

Los personajes, como ya mencioné, son claros, bien perfilados y coherentes a lo que se cuenta sobre ellos. Un hombre de noble corazón, romántico por naturaleza, tímido, exitoso, que desea encontrar el amor y cuando lo hace quiere que sea tan perfecto que intenta manipularlo para que no se le salga de las manos y termina por perder todo por lo que trabajo por no confiar en él ni en ella. Una chica alegre, libre, espontánea, que ha sufrido en el amor, encuentra a un chico que quiere pero intenta apresarla para que no se valla y ella quiere volar pues se siente asfixiada. Son personas que se identifican con una audiencia por la sinceridad que se maneja en cuanto a sus personalidades, el realismo que se plasma en ellos, pues no se quedan de un lado, como seres humanos cambian y maduran conforme pasa la historia. Este guión trabaja con varias experiencias humanas y es lo que lo hace valioso, no se queda solo en el cliché de te quiero ahora no, si no que trabaja hechos que en verdad pasan, procesos y cambios psicológicos característicos del ser humano, hombres que quieren controlar, mujeres que quieren ser cada vez más libres, personas que se quieres, personas que se aburren, personas que sufren cambios de humor, personas que quieren dejar todo, personas que luchan, personas que mienten, personas al fin y al cabo. Eso es en cuanto a los personajes principales, en cuanto a los secundarios se dan el lujo de explotar más el recurso de usar personas con rasgos exagerados para hacerlas graciosas y que al final de cuentas funcionan por que no se trata de ellos la historia, por que no son así todo el tiempo y también muestran una faceta de sensatez y por que todos quisiéramos tener una familia así de ridícula para pasar un fin de semana.   

No se trata de una comedia romántica como tal, pero es agradable ver una producción estadounidense donde no todo el humor tenga que ver con sexo o con secreciones o desechos del cuerpo.  La cinta cuenta con chistes inteligentes bien colocados a lo largo de la trama, chistes inesperados y agradables.   

El final es predecible y a la vez no, pues se encuentra con la misma chica pero nunca se aclara si es Ruby, si es otra mujer, si es obra de nuevo de su cabeza, éste es un claro ejemplo de final abierto pues aunque sabes que se quedan juntos no sabemos exactamente que es lo que pasará, si saldrán, si se escapará, y aunque todo parece ir en una dirección, siempre quedara la duda de que fue lo que paso, al menos hasta que salga una secuela, esperemos que no pues le quitaría todo el encanto.  

En cuanto a estructura dramática: el inicio es claramente cuando él despierta del sueño y comienza la historia de un escritor que perdió la inspiración y está desanimado, para dar un giro de 180 grados cuando conoce a Ruby a través de sueños y de las paginas que él escribe, existe otro giro en la historia que es cuando Ruby aparece físicamente, el punto medio es toda la historia de amor que se desarrolla, los juegos, la ida con la familia, hasta el punto en que la relación se viene abajo y viene otro cambio cuando decide decirle la verdad y mostrarle que ella es un producto de su imaginación y que el es capaz de controlar todo lo que ella hace.   

Es una historia bien dirigida, pues a pesar de todos los cambios que se desarrollan dentro de ella, como el cambio, no en el perfil, si no en las actitudes de los personajes o el de las tiempos y realidades alternas, no se pierde el hilo, es clara y amable al espectador.  

Por Giovanna E. Flores Torres

Valiente

Encuentra tu destino en un guión valiente  

Dirección: Mark Andrews y Brenda Chapman   

Guión: Mark Andrews, Steve Purcell, Brenda Chapman e Irene Mecchi     

Valiente es una producción de Disney Pixar que cuenta la historia de una princesa celta que lucha contra la decisión de su madre de comprometerla, siendo lo más importante para ella decidir el propio destino a toda costa.  

Por el entorno donde se desarrolla la historia los escenarios son bellos paisajes hechos con una excelente calidad de gráficos, parecen reales es un gran trabajo el que se realizo con esta animación. 

Con respecto al guión hay mucho que decir sobre el desempeño que se hizo. Se apega a elementos clásicos de Disney como la princesa y una situación que debe superar, sin embargo no es el único cliché en el que cae, si bien no es malo que tome algunas características tampoco es muy agradable ver en pantalla chistes ya muy vistos y personajes ya conocidos.  

Las situaciones dentro de la historia son muy parecidas a otras ya vistas en otras películas no sólo de Disney, por lo que se torna predecible, sabes hacia donde se dirigen los chistes, no abre campo a la sorpresa realmente, sin saber de que se trata es muy fácil predecir a donde va la historia, el punto más sorprendente es como la reina se convierte en oso gracias a la magia de una bruja y a la ignorancia y desesperación de la hija, lo cual es la mínima parte de la trama.  

Igualmente los personajes tienen características de formulas ya muy usadas, como la chica que quiere su libertad, madre que se opone por pensar que es un bien mayor y un padre casi ausente, además usan el estereotipo de hombres bárbaros barbones y casi salvajes, violentos, gritones, nobles y juguetones, no está bien ni mal, simplemente es un recurso muy visto y sin ningún toque innovador, otro ejemplo de esto es la caracterización de la reina como oso, la cual es muy similar y casi igual a la de Kenai en tierra de osos, tienen los mismos ademanes y gestos, comparación poco favorable para el producto.  

Aunque los puntos de giro son muy claro no tanto por lo que sucede si no por que el espectador ya lo espera, tiene elementos que hacen que sea bien recibida por el público, aspectos que son parecidos a la realidad, hijas que no comprenden a sus madres y madres que no comprenden a sus hijas y ese deseo de poder crear un camino que ambas puedan recorrer es el que la hace funcionar en el mundo contemporáneo donde estos hechos son parte del día al día de muchas personas.  

Por Giovanna E. Flores Torres 

Les Miserables (2012)

La última película de Tom Hooper, director del Discurso del Rey, es nominada al Óscar a la mejor película. Los Miserables, no está basada directamente en la obra de Víctor Hugo sino en el musical con el mismo nombre. Es una película que trae toda obra teatral a la pantalla grande. Quien se queje que esté toda cantada no entiende el fundamento mismo del largometraje.

Los lugares en los que se filmó son escenarios que, aunque muy cuidados, dan un aire de escenario teatral. Al mismo tiempo que parece divido en actos. Son secuencias largas en el mismo lugar. Del mismo modo que en teatro no se puede estar cambiando de escenario cada tres minutos, en la película se hace lo mismo. Un aspecto muy interesante que hace que vivas esa experiencia teatral es el hecho de que se grabó la voz de todos los cantos en vivo. No se pre grabó. Las voces no son las mejores pero expresan más sentimientos que en cualquier otra que se usa playback. Los protagonistas en realidad se dedican a actuar mientras cantan. Esto le da un toque de realismo. No realismo de la vida ordinaria y normal, sino el realismo del teatro. Es muy interesante que en las canciones no siempre se lleva el mismo ritmo ya que al estar actuando mientras cantan, agregan silencios, alargamientos de notas que no aparecerían en una canción grabada en estudio.

Es interesante cómo la iluminación también llega a ser algo teatralizada. Sobre todo en las noches. Todo está diseñado para hacer esa fusión de teatro con película. Creo que es una decisión inteligente que fundamenta el por qué es toda cantada, incluso diálogos sencillos. Si lo hubieran querido hacer como cualquier otra película, hubiera sido incoherente el concepto.

El guión está sumamente apegado al mismo guión del musical de teatro. Son los mismos productores y escritores. Esto permitió que la experiencia de la afamada obra se plasmara en el largometraje. La historia se desenvuelve ágil y con un ritmo que te permite disfrutar a pesar de tan larga que es. Hace un juego muy interesante en la tensión. Va estirando y luego suelta con un poco de comedia. Dado que la obra es sumamente dramática (no por nada se titula Los Miserables) era necesario esos momentos de distención. Va cambiando de momentos tristes, amorosos, cómicos, bélicos.

Me parece una película que adaptó fielmente la obra. Que, aunque no se puede decir que la supera que es otro género, la música, actuaciones y escenarios son mejores a lo que se ve en el teatro.

Por Adrián Gutiérrez

Las ventajas de ser invisible

Las desventajas de un guión invisible. 

Director: Stephen Chbosky 

Guionista: Stephen Chbosky (basado en su libro) 

Las ventajas de ser invisible es una película bien acogida por el público, más por la nostalgia y el cariño a los protagonistas que por como se cuenta la historia.  

Esta película comienza ágil, presenta de manera oportuna a los personajes y su manera de pensar sin embargo estos se tornan confusos en cuanto avanza la trama. No están bien estructurados ni definidos, se dice quienes son y por que son pero hay cabos sueltos dentro de sus personalidades y maneras de actuar, y no es que no los planteen bien, más bien es que se quedan cortos en la descripción de la persona.  

Lo mismo sucede con los puntos de giro que son confusos y no se sabe por que ocurren en ese momento y de esa manera, todo indica que la trama se dirige a una dirección y sorprenden con un camino completamente distinto al pensado, pero no de una manera ingeniosa, sino que meten información a la fuerza y muy de golpe, como si no encontraran un hueco para contar un proceso elemental y necesario de saber, de la vida de los personajes y se sacaran de la manga la manera de hacerlo. 

Esto sucede mucho con los guiones adaptados de libros, se podría pensar que por ser del mismo autor, la película sería fidedigna al relato original, sin embargo ese intento por conservar la esencia de la idea y contar todo lo que se creen importante y esencial, es el que causa que se presenten situaciones que parecen amontonadas y mal descritas, dejando una sensación de vacío pues se conoce lo que paso, pero se queda en un plano superficial, donde apenas se da una probada al espectador de la historia y no da el panorama completo. 

Otro aspecto que causa esta sensación en la importancia que se le da a valores dentro de la cinta innecesarios, por ejemplo si no se tuviera tanto tiempo en cuadro escenas de fiestas, el tiempo que dejen podría haberse utilizado en explicar el carácter de un personaje o la historia de un pasado amargo.   

Un punto a favor de la cinta es la excelente selección de temas musicales que involucra a David Bowie, The Smiths, The Beatles entre otros, esta selección entra  en contexto con lo que se habla en el guión, tiene mucho que ver con como son los personajes y la vida que tienen, la música elegida acerca más a la historia del personaje que lo que se ve plasmado en pantalla. Ilustra bien las emociones de los protagonistas y la nostalgia que evoca esta cinta, tanto por revivir tiempos mejores, como la etapa que muchos ya pasaron y no volverán a vivir; la adolescencia.  

Si bien la estructura dramática del guión no es muy clara y deja cabos sueltos, los personajes y la historia se llegan a entender gracias a la caracterización y la actuación que los protagonistas le dieron al texto. Todos sacan a relucir su papel, acercando al espectador a la realidad que se vive en la cinta.   

Está película es buena en tanto al sentimiento de nostalgia que provoca, sin embargo, deja lugar a grandes lagunas en las vidas de estos chicos, explica la mayor cantidad de situaciones, y en ese intento se queda corto en contar la historia personal de cada chico. El guión comienzan bien, rápido, ágil, simple pero entendible y con el ojo puesto en los detalles,  pero mientras avanza se vuelve flojo y confuso, es importante analizar como, a pesar de tener una buena historia, es un trabajo difícil llegar a plasmarla en imágenes.  

Por Giovanna E. Flores Torres 

Los Cuates de Australia

Esta película documental de Everardo González narra el problema de la sequía en el ejido de los Cuates de Australia en Coahuila. Todo gira en torno al tema del agua. Los realizadores presentan la vida de los habitantes de dicha población. El largometraje comienza dando una visión general de su vida diaria. Me parece interesante que la historia se va desarrollando de modo temático.

Comienza con el tema de la pobreza. Ahí, mostrando primeramente entrevistas del INEGI a las casas, se muestra las carencias materiales. No hace falta que te diga un narrador sobre este tema y explicar sobre los bienes materiales. Con imágenes y las entrevistas nos damos un panorama completo.

Se tratan los temas de la educación. Hay un acercamiento al profesor del lugar y cómo se dan las clases. Ahí se muestra también las clases de baile. Aunque es una educación muy básica, hay interés por formar a los niños y jóvenes. El contraste que hace el director es mostrar el vocabulario de unos niños pequeños. Las constantes groserías te hacen pensar sobre la verdadera educación que están recibiendo. Un tema también mostrado son las relaciones entre ellos. Los noviazgos y matrimonios.

La línea fundamental de todo el documental es el agua como dador de vida. En una de las primeras escenas vemos a dos caballos apareándose. Más tarde veremos a una mujer embarazada. Aquí dos historias paralelas. El embarazo humano va de la mano de lo que sucede en el lugar en cuanto a la lluvia. Cuando comienza la sequía se hace un paralelo con el doctor que le dice que su hijo está en riesgo. Cuando falta el agua, la vida corre peligro. Mientras vemos que la sequía crece y todos salen del lugar, algunos animales se quedan. Por la falta de lluvia el potrillo recién nacido muere. Después llega la lluvia y se nos muestra al bebé recién nacido. Los animales son más vulnerables a las sequías mientras que el hombre sabe sobreponerse a las dificultades climáticas. Y, lo más importante, el mensaje central es que el agua es vida.

 

Por Adrián Gutiérrez

RUBY SPARKS (RUBY, LA CHICA DE MIS SUEÑOS) (2012)

“Es complicado. Es lo que más me gusta de ella”

Director: Jonathan Dayton, Valerie Faris

Guionista: Zoe Kazan

Protagonistas: Paul Dano, Zoe Kazan

Muchos de nosotros hemos imaginado al “ser” perfecto con aquellas características que admiramos en otros y pensamos/soñamos en aquella persona que reúna todas las virtudes que vemos en los demás y que maravilloso sería poder materializar esos pensamientos. Al ver el trailer no quise elevar mis expectativas, ya que es mejor ser sorprendido a ser decepcionado, ya sea la ocasión, así que, a mantener la mente abierta y ver cada detalle que hacen especial a este film.

Ruby Sparks nos cuenta la historia de un joven novelista, Calvin, que tiene un bloqueo a la hora de escribir (¿a quien no le ha pasado eso?) y su psicólogo le recomienda que escriba, lo que sea, pero que escriba, no importa si es malo, pero el punto es escribir, sacar todo aquello que esta dentro de la cabeza, Calvin toma esto como una tarea, se sienta delante de su maquina de escribir (a la antigüita) comienza a escribir sobre una joven mujer (Ruby) sus características, personalidad, su historia.

Cuando Calvin conoce de principio a fin a su personaje comienzan a nacer sentimientos hacia ella, donde él menciona que es un amor imposible, que como era posible que se enamorara de ella, (todos los humanos llegamos a tener en un momento de nuestra vida, una atracción hacia un personaje, ya sea creado por nosotros mismos o por programas de televisión), donde su psicólogo Dr. Rosenthal le responde que es normal.

Zoe Kazan, la guionista, decide representar a su personaje Ruby, esto nos habla de “que mejor representar a quien conoces de principio a fin, de derecha a izquierda” y ya que viene de uno mismo, se podrá transmitir ese cariño y respeto que quizás algún otro actor no entendería.

Aparte de la idea de la “persona creada”, la película nos habla del poder que Calvin llega a tener sobre Ruby, como es que puede cambiarle su estado de animo, su lenguaje, con tan solo escribirlo y el como a pesar de tener el poder sobre ella, esto no implica que todo será “color de rosa” y que no se puede obligar a una persona a estar con uno.

Como dice el dicho, “si amas algo déjalo libre, si regresa, es tuyo, si no, nunca lo fue”

MAMÁ

MAMÁ IGUAL A MIEDO 

Director: Andy Muschietti 

Guionistas: Neil Cross, Andrés y Bárbara Muschietti   

MAMÁ era una película que esperaba ya hace mucho tiempo, al ver el corto en el que se baso, mis expectativas sobre lo que sería se elevaron por los aires ya que en pocos minutos me hizo entrar en la historia y sentir mucho miedo y cuando por fin la vi salí contenta de la sala de cine, más no satisfecha y es que hubo muchos cabos sueltos dentro de la producción, detalles que extrañe.  

El trato que se le dio a la historia, a mi parecer, quedo un poco corto. Si bien el relato es muy bueno; te mantiene en suspenso, te habla de una historia original, te asusta, es una de esas películas que te muestra un fenómeno del que te acuerdas en la noche y no puedes dormir, no sólo te asusta por asustarte con sonidos e imágenes rápidas sino que se mete con tu psicología, con los miedos que tu mente produce.  

La estructura dramática de este filme está bien planteada, cada punto es claro. Sin embargo, si nos basamos en que la película cuenta dos historias a la vez nos brinca un poco el manejo que se le dio a la secundaria.  

La historia principal es la de dos niñas que son abandonadas en el bosque y que por hechos desconocidos sobreviven cinco años solas y son rescatadas enfrentándose al problema de volver a adaptarse a la sociedad viviendo con sus tíos, sin embargo cosas extrañas afectan su procedimiento de volver a la realidad, esto se debe a un fantasma de una mujer que las cuidó como sus hijas y está dispuesta a lo que sea por protegerlas.  

La segunda historia es la de Edith, una mujer que escapa de un psiquiátrico y secuestra a su hijo y en su afán por ser libre salta de un risco muriendo ahogada y perdiendo la pista de su bebé, convertida en fantasma y con su visión del mundo retorcida y deformada encuentra a dos niñas en el bosque y las cuida hasta que son encontradas por sus tíos y ésta, celosa, pretende llevarlas con ella al otro mundo. Está historia secundaria no tiene bien planteados todos los puntos de la estructura dramática, además de que los personajes no son claros, no tienen una historia previa y aunque no es fundamental para la historia principal sería un buen detalle y le daría mucho más forma a la película contar con ese tipo de información, pues lo que sabes a lo largo del filme es exactamente con lo que cuenta Anabel, fuera de ahí ni por deducción puedes tener la certeza de algunos hechos, como el que pasa con los cadáveres del papá de las niñas y del psicólogo y como es que se sabe que éste murió.  

Otro de los aspectos que se pudieran mejor es la predictibilidad en cuanto a las reacciones y perfiles de los personajes, nos cuenta una historia que ya hemos visto en repetidas ocasiones; La mujer, que pasa de ser percibida en el comienzo, es complementaria de un personaje masculino, no quiere hijos pero es casi obligada a actuar de madre en consideración por su pareja, creando una empatía por los niños y terminando asumiendo el papel de madre y salvando a su hijo por adopción. El hijo rebelde que no quiere a una madre postiza y que termina viéndola como su verdadera mamá. Un hombre que parece ser el principal interesado sin embargo pasa a segundo plano en la historia, siendo casi inútil en la resolución del problema. 

En ciertas partes la película se vuelve lenta y quieren contar los detalles de cada vida enlazada de tantos personajes que se pierde de vista el objeto principal y ninguna historia queda muy clara.  Falta una mejor organización en cuanto a las ideas. 

Sin embargo la construcción de aquel mundo donde existe una madre fantasma es muy bueno, simplemente con la manera en que las niñas interactúan con el mundo y con el fantasma y como el monstruo es manifestado es un gran trabajo creativo. Además me pareció muy atinado añadir al guión de este largometraje la escena del corto original.  

Por último me gustaría aclarar por que a mi no me pareció que la historia tuviera un final malo, como mucha gente me comentó, para estos fue un final exagerado. Ellos esperaban la típica construcción  que tiene un estilo donde los sustos son repentinos, no les gusto ver al monstruo ni que se expusiera tal como es esperando más misterio en esa parte, sin embargo es un estilo característico del productor, no se si tenga que ver con el, pero ya se ha visto en otras películas en las que Guillermo del Toro está involucrado como el orfanato y no temas a la oscuridad. No me parece una decisión equivocada ponernos frente a frente con el producto del nuestro miedo, si bien esto puede matar un poco el impacto nos acerca a la historia y resulta, dentro de lo que cabe, un poco más real. Para generar miedo, una producción no necesariamente debe ocultar a sus monstruos.  

Por Giovanna E. Flores Torres