Luis Buñuel

Antes es necesario conocer un poco de Luis Buñuel... nace el 22 de febrero de 1900,  en 1925 me traslada a París; al año siguiente se inscribe en la Academia de Cine; en 1929 junto con Dalí escribe un guión que termina llamándose Un chien andalou; tras vivir entre España y Francia, decide viajara a Estados Unidos con su familia donde se establecen en Los Ángeles, es contratado en el MOMA (museo de arte moderno de Nueva York) pero es obligado a renunciar tras el escándalo provocado por la publican de su autobiografía: La vida secreta de Salvador Dalí.

Se establece en México en 1946, durante el mismo año rueda Gran Casico, con Jorge Negrete; en 1949 adquiere la ciudadanía mexicana y se estrena El gran calavera, Los olvidados que realizó 1950 gana el Premio a la Mejor Dirección en Cannes al año siguiente.

Se vuelve a trasladar a España para comenzar la preparación del rodaje de Viridiana, años después se muda a Francia y en 1983 estando en la Ciudad de México muere el 29 de julio.

Siendo que resumí la vida de Buñuel y no mencioné todos los trabajos que realizó, es necesario mencionar que el estilo de Buñuel fue influenciado tanto por la época en la que vivió, como las personas que frecuentaba (tenemos de ejemplo a Salvador Dalí, quien es considerado uno de los principales exponentes del surrealiasmo); por ello, gran parte de sus films muestran una corriente surrealista, sin embargo, Buñuel también se apegaba al mostrar la realidad tal y como se vivía, por ejemplo Los Olvidados la cual obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Cannes y esta película ha sido nombrada Memoria del Mundo por la Unesco.

Los Olvidados, relata la vida que transcurre en la ciudad de México en los años 50s, donde la historia gira alrededor de los niños - y no tan niños - que viven en la miseria, educados - a la mala - bajo las reglas de la calle y vemos los orígenes surrealistas de Buñuel plasmados en el sueño de uno de nuestros personajes, Pedro.

Siendo que durante toda su vida Buñuel integró el surrealismo en sus trabajos, hay veces que es necesario ver mas de una vez las películas ya que en algunas rompe con el cine con el que estamos acostumbrados a ver y no logramos entender el mensaje, si es que lo hay, dentro del film.

ML

El suspenso de Alfred Hitchcock

Jesús Castillo

Alfred Hitchcock es sin duda uno de los directores de cine más influyentes tanto en el medio como en los espectadores que lo vieron y lo siguen haciendo actualmente.  Su trabajo se basaba en la creación del suspenso y la innovación que generó al usar distintos tipos de planos, movimientos de cámara o efectos visuales lo posicionaron como uno de los grandes revolucionarios del entorno cinematográfico.

         El estilo de Alfred Hitchcock es muy reconocible pues a través de su gran repertorio de películas dirigidas se presentaban diversas características como la trama basada en  crímenes, el uso repetitivo de los mismos actores y la aparición de mujeres rubias como protagonistas. Aunque se estuvieran viendo dos películas distintas de él, se vería con claridad su dirección. Su originalidad le permitió mostrar algo nuevo al público pero siempre mantuvo su misma marca personal de presentar las historias.

         Entre las principales similitudes que pude observar está la manera en la que crea el ambiente de suspenso desde un principio para que el espectador caiga en la intriga. Hitchcock conocía a su público y la forma de acomodar todos los sucesos, la velocidad con la que lo hacía acompañado de música instrumental a tiempo con las actuaciones y emociones de los protagonistas estaban tan bien planeadas que es casi imposible dejar de verla antes de conocer el desenlace. Tras plantear las situaciones de las distintas películas, la trama inicial pasaba a segundo plano al preguntarte ¿qué es lo que pasará? Tras desarrollarse la historia, la problemática inicial hace su reaparición y encaja a la perfección con el guión.

         Por otra parte, el estilo de Hitchcock es muy observacional, es decir, tendía a presentar escenas sin diálogos de gran duración donde lo más importante era el ver las acciones de los personajes. Tal y como se presenta en “La ventana indiscreta” o en el comienzo de “Vértigo”, el espectador y el protagonista ejercen la misma función de observar lo que ocurre en el entorno de la historia para sacar conclusiones y dar continuidad a la trama. Del otro lado, la manera de presentar los diálogos y las actuaciones son muy características de la época. Se diferencian al ser muy marcadas o exageradas a la vida real y más si son acompañadas por efectos visuales.

         La creación de un buen ambiente de suspenso no sólo involucra una buena historia, música o actuaciones, sino que también va acompañada de una serie de planos y movimientos de cámara que impulsen o agranden este sentimiento. El maestro del thrill solía presentar cámaras fijas durante las conversaciones y movimientos de cámara lentos durante los momentos fuera de tensión; así de esta manera, podía acelerar las acciones y desconcentrar al espectador de un momento a otro, pero previamente predispuestos.

         Muchas de las películas de Alfred Hitchcock contaban con giros inesperados en la historia llegando casi al final. A diferencia de otras producciones de suspenso, éstas sabían encontrar la manera de no decepcionar al público al no terminar de una manera predecible. Durante las historias te vas formando una idea de lo que puede llegar a ocurrir, sin embargo, muy pocas veces llegas a adivinarlo y es lo interesante de su trabajo. El planteamiento de los finales falsos no siempre llegaban al final de la película sino pasando casi la mitad, donde se desarrollaba otro sub trama complementario e igual de interesante que el pasado.

        Algunas de las películas de Hitchcock duraban más de dos horas y otras eran más sencillas de digerir como “Psicosis”, sin embargo, todas mantenían la misma tensión que terminaba en engaño y satisfacción para los fanáticos.

CINEMA PARADISO

Fecha de estreno: 17 de noviembre de 1988 (Italia)

Director: Giuseppe Tornatore

Historia creada por: Giuseppe Tornatore

Reparto: Philippe Noiret, Antonella Attili, Marco Leonardi, Agnese Nano, Salvatore Cascio

Premios: Oscar a la mejor película extranjera

Una historia de amor… pero es necesario re-definir el termino “historia de amor” porque estamos mal acostumbrados y por consiguiente pensamos que se trata de dos personajes, por lo general hombre y mujer, que se aman, se enfrentan a un problema, pero al final terminan juntos.

En el caso de Cine Paradiso es mas una historia de amor hacia el arte del cine, el amor hacia un amigo que se convirtió en parte de tu familia o inclusive mas cercano.

Bueno… esto dependerá de cual de los dos finales se vea, por que depende del final para que la película cambie completamente de historia, ya que, por un lado te presentan la amistad y el amor al cine, con el otro, es el amor puro y sincero por una chica, hasra casí eterno...

Cine Paradiso es de las películas que, por lo menos, se ha tenido que ver una vez en la vida, la cual te hará sentir, llorar, preocuparte, reír, sentirás ternura por los personajes o por la situación; el director realmente logra transmitir esas emociones de una manera impecable y admirable.

Y con respecto a las dos versiones del final, creo que es necesario que uno como espectador los vea, ya que hay quienes consideran que el final de la versión del director es una gran “telenovela” cuando otros consideran que es un buen fin y hay otros que prefieren el otro final, el fin corto, y están quienes se quedan inconformes, así que mi recomendación en esta situación, es ver los dos finales, quizás con un día de separación, pero ver, juzgar y elegir con que final se queda uno.



ML

Una historia sin concreto

Jesús Castillo

“Nunca habrás finalizado hasta que tengas una buena historia y alguien a quién contársela” es una de las frases con las que comienza y resume toda la trama y el mensaje central de la película “la leyenda de 1900”, dirigida por Giuseppe Tornatore. La historia narra la vida de un niño que fue encontrado y llamado 1900 en un barco y que jamás pisó tierra. En ese lugar se dio a conocer como el mejor pianista de la época pero al cruzar la línea divisoria entre el mar y la costa, nadie sabía de su existencia; hasta que su mejor amigo Max narra los hechos desde su perspectiva y con esto, se cumple la frase inicial.

         La producción supo manejar el orden y el tipo de situaciones que decidieron plantear para que la trama fuera bien entendida y no faltara ni sobrara nada, es decir, aunque se hace uso de un narrador que no es el personaje principal y que ocasiona que la historia sea presentada como un suceso en el pasado con fragmentos del propio narrador en el presente, no te confundes ni pierdes la noción del espacio-tiempo. Por otro lado, una vida contiene demasiados eventos y la de un hombre que fue encontrado en un barco y que nunca bajó de seguro tiene más de lo normal, pero en la selección y la manera en la que hicieron elipsis para presentar de principio a fin la vida del protagonista fue llevada a cabo de manera correcta y simple, sin huecos inservibles o detalles que no aportaran nada a la trama.  Cada situación era justificada y al mismo tiempo creaba el ambiente que se tenía que crear.

         Aunque la película por su temática y estructura es lenta, los diálogos que entablan los personajes no sólo funcionan para dar continuidad a la historia, sino que tienen un toque de reflexión personal que te pueden dejar pensando y causan intriga. Claro está que otra parte importante son las actuaciones, las cuales logran ocasionar en el espectador de manera acertada las emociones que se viven en la pantalla. Quizás no es la gran película dramática que saca una lágrima de tus ojos, pero su contenido tanto audiovisual como literario te dejan al menos con algo interesante que discutir.

         “La leyenda de 1900” contiene desde su idea la palabra originalidad y la manera en la que la voz en off y las palabras que usa el narrador desde el principio expone el tipo de calidad que se verán durante casi dos horas. Usan la curiosidad por entender a qué se refiere Max en la primera escena de la película y a partir de ese momento, el saber si 1900 se bajó o no del barco, cómo fue su vida o en dado caso cómo terminó, ocasionan que como espectador no despegues la mirada de la pantalla.

         Al final se puede llegar a la sensación de que faltó algo o que la historia no está completa. Sí se concluye la vida del personaje principal pero después de todo lo que pasaron, puede aparecer la pregunta ¿y ya? A lo que voy es que el narrador toma un papel importante que te gustaría saber cómo fue su camino después de 1900.

La leyenda de 1900

Director: Giuseppe Tornatore

Escritores: Giuseppe Tornatore y Alessandro Baricco

Reparto: Tim Roth, Taylor Vince, Bill Nunn, Mélanie Thierry.

Fuente: http://www.imdb.com/title/tt0120731/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm

La nueva integrante de la familia.

La nueva integrante de la familia.

Los insólitos peces gato.
Dirección: Sainte-Luce, Claudia.
Guión: Sainte - Luce, Claudia.
País: México
Fotografía: Afc/ Godard, Agnés.
Reparto: Ayala, Ximena. Baeza, Andrea. Franco, Sonia. Guillén, Wendy. Owen, Lisa. Ramírez Muñoz, Alejandro.
Año: 2013

Es curioso escuchar el nombre de la ópera prima de Claudia Sainte-Luce ya que tiene un nombre muy peculiar: Los insólitos peces gato.

Al escuchar este título se nos vienen muchas opciones sobre de qué pudiera hablar esta película  y tal vez nuestra última opción sería la de una pequeña familia que sufre junto con su mamá la enfermedad del sida pero esta situación es vista tanto de un lado dramático como también cómico y de enseñanza.

Claudia,  es una joven solitaria que trabaja en un supermercado y llega al hospital por un fuerte dolor en el estómago que le da como resultado apendicitis. Ahí es donde conoce a Martha, una madre de 4 hijos con quien logra entablar una amistad.

Martha  invita a Claudia a su casa, ella acepta y sin pensarlo se comienza a involucrar con la familia al grado de que pasa a ser la mejor amiga y compañía que todos necesitaban en ese hogar debido a que la situación de su mamá los impulsaba a actuar con cierta madurez y dejar a un lado los problemas o sentimientos personales.
Claudia también sufre la enfermedad de Martha y aunque le da miedo al final se da la  oportunidad de formar parte de una familia ya que no había tenido la oportunidad.

Por lo que podemos ver, en esta historia se tocan valores muy interesantes como la unidad de familia, el apoyo, el amor e inclusive la valoración y apreciación de la vida y cada momento que la conforma.

Cada personaje es un integrante muy interesante dentro de esta familia ya que tienen  personalidades y características muy marcadas y  muy diferentes pero al mismo tiempo integradoras y sensatas, es decir, que la construcción de personaje está tan bien definido y representado que puedes llevar al personaje a la realidad, ademas, que son las diferentes maneras en que una persona pudiera reaccionar o actuar ante una situación como la que vive su mamá pero al mismo tiempo, esta integración de personajes  hace una integración interesante de la familia y al mismo tiempo coherente.
En cuanto a Claudia creo que si se percibe la esencia y personalidad de ella pero considero que a veces durante la historia se queda un poco plana y aunque estuviera basada en una historia muy similar a la que realmente le sucedió a  Claudia Sainte - Luce, creo que faltó un poco más de acentuación en los momentos en los que el personaje de Claudia actuaba o reaccionaba diferente ante las situaciones.
Por  último, me gustaría agregar como opinión personal que el final en el que Martha le habla a cada hijo, me pareció buena pero creo que me sacó un poco del contexto ya que durante toda la película acompañamos a Claudia y al final que se escucharan los pensamientos de Martha me dio la sensación de que cambiamos de personaje de un momento para otro.

Andrea Muñiz Alamilla  

“NO CONFÍES EN NADIE”

CAPITÁN AMERICA Y EL SOLDADO DEL INVIERNO (suena mejor en ingles).

Directores: Anthony Russo, Joe Russo

Guionistas: Christopher Markus Stephen McFeely

elenco: Chris Evans, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson 

 

La cuestión de que sea Capitán America, que viva en Estados Unidos y salve una – dos ciudades el mismo país… pues es una cuestión que dejaré a reflexión…

Que Capitán America sea de Marvel, inmediatamente nos influye esa sensación que será algo espectacular, que valdrá la pena el tiempo y el dinero invertidos.

Al ver la película, la cuestión del “soldado del invierno”, la vi mas como una analogía refiriéndose a HYNDRA y no al antagonista.

Es divertido el como dentro de la historia te dan todas esas pistas para que tu como espectador ya sepas que es lo que pasará adelante, como el quien es el jefe malo, quien es el títere del jefe entre otras cosas, inclusive lo del uniforme.

Es llevadera, logra tener tu atención durante cada minuto, no forzan las situaciones, y a penas de que te den las pistas para adivinar que es lo que viene, aun así tienen el factor sorpresa, y claro, le dan un toque de cliché, como en el momento que Capitán America trata de salvar al malo.

La recomiendo rotundamente, y no es por que sea fan de Capitán American, si no por que lo soy de Marvel, ya que saben como mantenerte entretenido, deseando mas y entregándote mas de lo esperado, momentos de drama, acción, comedia, etc. etc. etc.

Y antes de terminar, a todo quien lea esto y vaya a ver películas futuras de Marvel, ¡QUÉDENSE DESPUÉS DE LOS CRÉDITOS! 

 ML

LA INTRIGA

LA INTRIGA

Runaway Jury

Dirección: Gary Fleder. 
Género: Drama / suspenso.País: USA. Año: 2003. Duración: 127 min. Interpretación: John Cusack (Nicholas Easter), Gene Hackman (Rankin Fitch), Dustin Hoffman (Wendell Rorh), Rachel Weisz (Marlee), Bruce Davison (Durwood Cable), Bruce McGill (Juez Harkin), Jeremy Piven (Lawrence Green), Nick Searcy (Doyle), Stanley Anderson (Henry Jankle). Guión: Brian Koppelman, David Levien, Rick Cleveland y Matthew Chapman; basado en la novela de John Grisham. Producción: Gary Fleder, Christopher Mankiewicz y Arnon Milchan. Música: Christopher Young. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: William Steinkamp. Diseño de producción: Nelson Coates. Dirección artística: Scott Plauche. Vestuario: Abigail Murray.

En este pequeño análisis hablaremos sobre la película Runaway Jury del director Gary Fleder que está basada en la novela  de John Grisham conocida como El jurado.  

La historia nos presenta a 5 personajes, los cuales tienen un fin en común pero lo que los distingue son las herramientas empleadas y tal vez el propósito de este fin.

La relación entre estos personajes es muy interesante ya que involucran factores como estrategias, astucia, rivalidad y competencia, lo que nos permite encapsularnos en la historia y genera esa intriga o curiosidad por lo que está sucediendo, quién es el bueno, quién es el malo y en qué terminará.

En una pequeña sinopsis me gustaría decir que la historia, trata sobre cómo se lleva a cabo un juicio dentro y fuera de un tribunal y cómo un integrante del jurado decide entrar en el juego y busca sobornar a las dos partes contrarias con el voto o la resolución del jurado, es decir, que durante la película vemos como se trata  de vender  el resultado y votos del jurado en lugar de ganarlo.

Para Nick, quien es el que intenta vender los resultados, hay un gran progreso en su personaje ya que su misma jugada lo acerca a las personas del jurado y le da la oportunidad de conocerlos y darse cuenta del error que está cometiendo.

Por otro lado se encuentra Fitch, quien  al igual que Nick es muy inteligente y estratégico pero representa la némesis de Nick ya que es una persona fría, sin escrúpulos, con la creencia de ser alguien superior y tal vez simplemente interesado por el poder y el dinero.

Y por último se encuentra Rohr, el otro abogado que se encargaba de defender el caso y buscaba la justicia.

En esta película considero que  hay un buen guión y que esto es comprobado por el ritmo y desarrollo de la historia pues en todo momento algo está sucediendo y para el espectador genera esas ganas de querer saber en qué terminará, además de que tiene puntos de giro inesperados; así también la actuación e interpretación de cada personaje se logra abstraer y entender por lo tanto,  tal vez en el desarrollo estás dudando en quién está en lo correcto y quién no pero sí logras identificarte con cada personaje y ver qué es lo que esta viviendo.

Andrea Muñiz Alamilla 

Una más a la lista...

Jesús Castillo

“Línea de fuego” del director Gary Fleder no es una película diferente en las que anteriormente hemos visto participar al actor británico Jason Statham. Sigue una línea narrativa concisa y típica de la mayoría del género de acción y lo que es mejor, funciona.

         Sylvester Stallone colaboró como guionista y en verdad se ve su participación en la historia con la maximización de boxeo y el uso moderado de armas. A pesar de que todos estos tipos de películas se basan en situaciones parecidas y desde el inicio sabes cómo terminará, el ver acción, peleas, persecuciones y balaceras siempre será muy entretenido y más, para su mercado meta que somos los hombres.

         “Línea de fuego” narra la historia del ex policía Broker, quien tras haber sido amenazado en una misión, decide salirse del departamento y mudarse a un pueblo junto con su hija para protegerla, pero sus destrezas en las artes marciales (y las de ella) llaman la atención de todo el pueblo y la de sus enemigos, con lo que tendrá que volver a su pasado para defender su territorio.

         Como ya lo menciono anteriormente, la estructura de este tipo de producciones son muy parecidas y las situaciones que se llevan a cabo también. Sin embargo, puede haber algunas que aunque contengan buen material en cuanto a acción, los diálogos y las conexiones entre situaciones no funcionen o no tengan nada que ver, cosa que afortunadamente no tiene esta película. Todo el tiempo está pasando algo interesante y no sólo eso, sino que lo que sucede te lleva a otro momento y todo está bien conectado. En otras palabras, no hay momentos muertos o puestos únicamente para rellenar la historia.

         Hace no tantos años, se podían ver en las películas de acción como las de Jackie Chan, Van Damme u otros que lo más importante eran las peleas y no se enfocaban tanto en los diálogos o en el entretenimiento durante los momentos de pasividad. A diferencia de esas, Jason Statham junto con sus co-protagonistas y guionistas forman conversaciones decentes y convincentes para el género. Tras ver sus carreras artísticas nos hemos formado un prototipo de personaje que podría ser el mismo en todas las películas en las que aparecen, y sabiendo esto construyen diálogos épicos para las situaciones que nos presentan, diálogos que aunque en la vida real quizás pueden ser diferentes, los adoptamos como verdaderos por el clima o ambiente que desde un principio el director nos forma.

        Existe una fotografía bien tratada así como la construcción de personajes. Durante la trama se aprecia que cada uno de los protagonistas sufren un cambio y la manera de desenvolverse frente a la pantalla es convincente, sin embargo, la escena final rompe con toda prioridad que tenía el personaje principal Broker y da a entender que todo lo que luchó por que no sucediera lo que vemos, al último decide que lo quiere volver a vivir sin importar que su vida o la de su hija corran peligro.

         “Línea de fuego” es una producción audiovisual completamente de género, pero a pesar de las consecuencias que esto trae consigo, los elementos del guión son bien llevados a cabo, no hay tiempos muertos, los diálogos son exagerados pero dentro del esquema que conocemos y además, los movimientos de cámara, locaciones y la trata de la imagen no ocasionan ruido a pesar de las acciones bruscas que se presentan.

Línea de Fuego (2013)

Director: Gary Fleder

Escritores: Chuck Logan, Sylvester Stallone

Reparto: Jason Statham, James Franco, Izabela Vidovic, Winona Ryder, Rachelle Lefevre.

Fuente: http://www.imdb.com/title/tt2312718/fullcredits?ref_=tt_ov_st_sm