Seven

Las historias que más recordamos son las que no sucede lo previsible. Cuando estás sentando viendo una película y algo te hace querer levantarte por lo inesperado dentro de la historia, es cuando un buen guionista está detrás. Hay largometrajes con historias que se van definiendo desde mucho antes que sucedan las acciones mismas. Seven, no es uno de esos casos.

Con maestría Andrew Kevin Walker logra mantener tensión a lo largo de las más de dos horas de película, pintar los personajes y situaciones con acciones e imágenes sutiles, llevarte a lo inesperado. Desde que comienza la película se describe perfectamente el personaje del Detective Somerset (Morgan Freeman). El orden en la casa, el modo como se viste y dobla su ropa, nos van pintando el personaje. De igual manera se describe desde la primera acción al Detective Mills (Brad Pitt). Se le ve sucio, descuidad, primario y acelerado. De igual manera se va pintando al asesino mismo con sus acciones y a través de las suposiciones de Somerset.

La línea narrativa da el primer punto de giro cuando sabes que no es un asesinato normal sino que es uno de muchos más que vendrán y que están conectados con los siete pecados capitales. Los asesinatos se van en paralelo con las historias personales de Mills y Somerset. Todo en función de la última secuencia. La estructura es bien pensada ya que no solo son los asesinatos uno tras otro, sino que se van mezclando con otras acciones.

El primer encuentro con el asesino es un punto de giro necesario. De ahí se desencadenan todas las acciones que van formando el final. Y es justo en esta secuencia final donde el escritor hace su mejor labor. Mantiene una tensión profunda por más de diez minutos. El camino en el coche es largo. No sólo los detectives esperan sin saber qué pasará, sino que el público lo siente igual. Es una espera larga y sin tener la mínima idea de lo que sucederá. Las acciones pasan con lentitud pero funcionan muy bien. La tensión es muy grande.

Este es un guión digno de admiración. Contiene todo lo que debe y lleva al público a entrar en el mundo de John Doe (Kevin Spacey) de modo extraordinario.

Por Adrián Gútiérrez

Amour

Michael Haneke trata aquí el tema del amor desde un punto de vista distinto. Es un amor real, humano. Es el paso por el crisol de la vejez. Después de que se muestra el primer episodio de la enfermedad de la esposa, la vida de los dos cambia radicalmente. La enfermedad toma el control del cuerpo de Anne (Emmanuelle Riva) y Georges (Jean- Louis Trintingnant) comienza ese largo camino de acompañante en sus limitaciones y dolores.

Me parece que es la película sobre el realismo del amor. Haneke te lleva a un departamento cargado de detalles realistas. No te sientes en un escenario, no te imaginas las luces ni las cámaras. Todo está en un ambiente lo más apegado a la realidad posible. Los detalles dentro de los sets son muy cuidados. La iluminación es parca, tal como sucede en un departamento antiguo de unos ancianos. Toda la atmósfera apoya la línea argumentativa. Se busca realzar la crudeza del amor y todo esto lo soporta y lo lleva a feliz término.

Haneke hila un guión que te lleva a la desesperación de la enfermedad. Las escenas son largas, muchas de ellas no pasa nada grandioso pero sí sustancial a lo que desea comunicar. La desesperación crece en el espectador cuando comienza a enredar la sencilla línea de una enfermedad dentro de un departamento.

Su argumento del amor real es cortado con el asesinato de Georges sobre su esposa. Ese amor real, se corta en egoísmo, en un afán de salir libre (como la paloma que se muestra tantas veces). El más sentimental dirá que eso sí es verdadero amor. No podremos saber las intenciones verdaderas en las que se apoya el personaje. Este hecho, fuerte y conmovedor, punto central, me parece un error en el planteamiento de su tesis.

Haneke muestra la situación que millones de parejas viven en la enfermedad. Un sufrimiento de ambos que se vive de muy distintas formas, pero siempre doloroso y cruel.

Por Adrián Gutiérrez

TE AMARE POR SIEMPRE

En lo personal, las películas que usan los viajes en el tiempo/dimensiones me encantan y más si las unen con una historia romántica y time traveler's wife logra que mi cabeza comienza a girar pensando si sería posible, qué pasaría o que haría si pudiera vivir algo así o algún otro cuestionamiento “existencial”.

Y como lo dice su nombre el ingles, “la esposa del viajero en el tiempo” sin saber por que o como controlarlo Henry viaja por el tiempo, repitiendo los mismos lugares, en uno de estos conoce a una pequeña niña llamada Clare, que años después (en el mismo tiempo de ambos) se conocen, “algo lleva a algo más” y terminan enamorándose mutuamente, el verdadero problema es cuando ya están juntos y él desaparece por semanas, sin saber donde, cuando (en que año) y cuando regresará, representando así en las parejas promedio al esposo “ausente” y cuando éste quiere hablar del tema, la mujer no tiene tiempo.

Y por si fuera poco, se le agregan dos problemas más, uno, que Clare quiere embarazarse y no lo logra ya que el bebé sufre el mismo padecimiento que Henry, segundo, la incertidumbre de ver a Henry-futuro mal herido. Por intentar proteger a Clare, Henry toma decisiones sin consultárselo a ella, como al no decirle en que momentos del futuro aparecerá, o la decesión de dejar de arriesgar su salud con embarazos de “pequeños viajeros”.

En mi opinión, lo mejor es la actuación de Rachel McAdams como Clare, ya que logra hacernos sentir que Clare realmente esta enamorada por largo tiempo de Henry, con las sonrisas, principalmente con la mirada, inclusive logra ese “brillo especial” cuando este enamorado.

Por Maria Larrazolo

CRIMEN FERPECTO

No, no me he equivocado, así se llama el film dirigido por Alex de la Iglesia, quien nos presenta a Rafael, jefe de departamento en una de las más grandes tiendas de Madrid. Quien compite con Don Antonio para ser el jefe de piso, pero parece una “guerra” sin sentido ya que Rafael es el jefe del departamento de dama y es el mejor vendedor en toda la tienda, pero el sueño de ser jefe de piso se derrumba al momento de descubrir que el cheque que lo hizo ganador no tiene fondos suficientes y pierde ante Don Antonio quien no pierde el tiempo y se lo restriega en la cara al punto de “sacarle el tapón” y llegar a los golpes ocasionando un accidente.

Todo parecía perfecto, deshacerse del cuerpo parecía fácil, pero se complica cuando el cuerpo desaparece, pasa un día y la policía llega al tienda interrogando a los empleados de paradero de Don Antonio, para esto, Rafael se pone nervioso y levanta sospechas ante el agente, por fortuna de él alguien le comenta que Rafael no fue la ultima persona en ver a Don Antonio, ¿pero quien ha sido la persona que se ha arriesgado para cubrir?, nada mas ni nada menos que Lourdes, la única con la que Rafael no ha tenido algo que ver (inclusive ha evitado hasta verla), ¿y por qué lo ayuda? ¿por qué mas?, todas, incluyendo Lourdes se mueren por Rafael. Convirtiéndose en su cómplice del crimen desapareciendo el cuerpo, aprovecha la oportunidad para chantajearlo y hacerse la idea de que son una pareja, así volviéndolo loco al grado de planear su muerte para zafarse de la “loca” quien lo atormenta.

Es buena opción si se busca una comedia sin el “humor gringo” y un tanto “viajada” ya que podemos llegar a identificarnos con los personajes, ya sea con Lourdes, Rafael, inclusive con Don Antonio y reírnos del desfortunio de alguien ajeno y el ingenio del mismo para idear todo el plan.

Por Maria Larrazolo

¿YA ENCONTRASTE A LA QUE VUELA?

Del directo Eliseo Subiela y con la participación en el guión de Mario Benedetti, Juan Gelman y Oliverio Girondo nos presentan “EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN” donde la historia se desarrolla en Buenos Aires y en Montevideo con Oliverio, un poeta que trabaja “de vez en cuando” en una agencia de publicidad para poder tener dinero, viajar a Montevideo y pagarle a una prostituta, Ana, de quien se enamora, de regreso en Buenos Aires visita a sus amigos, quien en un principio parece que se aprovechan de él, siendo que Oliverio intercambia una par de versos con un vendedor en un puesto de carne por una cena “decente”.

Es interesante como se presenta el “tirar a la basura” a una persona con la cual no se tienen sentimientos hacia ésta, la Muerte, quien tiene una relación intima (más no “sexual”, quizás sentimental por parte de ella) pero donde se ve/siente que ella le tiene un cierto aprecio a él, mencionándole acerca de trabajos que puede le interesen a él, mientras que por el otro lado, Oliverio la trata peor de lo que se merece.

“… no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.”

Uno de los temas que maneja este film es el miedo a “bajar la guardia” y a entregarse a alguien por completo, (permitir enamorarse) lo cual nos lo deja en claro cuando vemos la manifestación de la mamá de Olivero a través de la vaca que se lo dice directamente, y la escena en donde se saca el corazón y lo pone en bandeja de plata …

¿Que puedo decir? Increíble el uso de los poemas durante toda la película y como las palabras pasan a ser “literal” como el “volar” (la representación de que realmente se ha enamorado); la “materialización” tanto de la muerte, que tiene una atracción hacia él, como de las diferentes personalidades de Oliverio, que ver el enfrentamiento de se su “yo” consiente con estas personalidades es, un tanto, poético, el luchar contigo mismo por algo o el aceptar la verdad que una de estas personalidades te dice.

Algo que me encanto de la película es cuando la Muerte dice que ella solo recibe ordenes y que llega a dudar de la existencia de algo/alguien que le este ordenando llevarse las almas y cuando le dice a Oliverio que mientras él permanezca vivo será de ella (haciendo referencia a Ana).

Y al final, Oliverio se permite enamorarse, pero ¿es reciproco? Encontró a la que vuela, y tu, ¿ya encontraste a la que vuela?

Por Maria Larrazolo

Iron Man 3

A FINAL DE CUENTAS EL MECÁNICO ES EL QUE SALVA EL DÍA

Dirección: Shane Black

Guión: Drew Pearce y Shane Black 

Iron Man 3 se describe con una palabra: Funcional. 

Es una película que entretiene, es llevadera, ágil, de esas que se ven los domingos y sales satisfecho de las salas de cine. 

La estructura dramática esta perfectamente marcada según los tiempos: comienza donde termina, (contando su historia). El punto de giro es cuando Happy sufre el ataque y Tony decide intervenir con el terrorismo. El punto medio es cuando llega al pueblo después de una batalla y comienza a descubrir cosas y se enfrenta a los malos. El segundo punto de giro es cuando tiene que volver a luchar contra los terroristas. El final es que pudo curarse y sigue siendo él, sigue siendo Iron Man, sin embargo maneja un final abierto que es como comienza, contando su historia al Doctor Banner previniendo para la nueva película de los Avengers. 

Lo que hace a esta película más llevadera es que tiene toques cómicos muy acertados, ese humor sarcástico característico de la personalidad de Tonny Stark se entremezclan con la trama para romper con los puntos de tensión.

No pierde el hilo de las películas anteriores y las entrelaza con comentarios o recuerdos.

Solo una actuación me sorprendió, la del malo malo malo, es la única que llega a emocionar de una manera que se pasa de la lastima al odio y coraje. 

Las actuaciones de los demás dejan mucho que decir, las emociones no se sienten, las concesiones son planas, si bien el personaje es apático esta vez exagero en cuanto a la poca sorpresa que manifiesta. 

Hubo muchos cabos sueltos, uno de los que más llama la atención es el auto donde viaja en el pueblo, si bien la intención es posicionar a la marca Audi no se deja en claro de donde lo saco. Otro cabo es la poca importancia que se le da a la incrustación que lleva en el pecho, la trama completa gira en torno a la posibilidad de curación y generación de nuevo tejido, cosa que hace posible la extracción del mecanismo al final de la cinta. El problema es que ese objeto es punto clave y detonador para la aparición del guerrero Iron Man, se debió de haber mencionado más en el guión o se debió de haber hecho más alucinó a el, y no solo dejar cinco segundo de una operación para después ser lanzado al mar. 

Los villanos eran personajes interesantes y hub muy buenas actuaciones, sin embargo el elemento de combustión no es tan favorable. Además de tener una super fuerza irradian calor que derrite hasta al más feroz guerrero, la cuestión está en que Tonny sufre de ataques de pánico por lo que paso en Nueva York, sufre por ser incapaz de defenderse a el y a sus seres queridos de una invasion extraterrestre que destruye ciudades y que casi lo mata dejándolo a la deriva en el espacio, en comparación a eso los villanos de esta película carecen de credibilidad, si bien su locura los lleva a grados extremos no significa que representen una gran amenaza que no pueda manejar, se usa el recurso del cansancio, pero   teniendo cuarenta y tantos trajes ¿cómo dejo que destruyeran su casa? extraña esa falta de fuerzas de parte del personaje.

Iron Man es una película que entretiene, sin embargo pudo haber sido mucho más emotiva, los diálogos más inteligentes y  menos predecible, se quedo corta y con el capital que se tenía se pudo haber exprimido más el jugo de esta producción.

Por Giovanna E. Flores Torres 

Django

Django sin cadenas, ambientado pocos años antes de la guerra civil en Estados Unidos, comunica sin reparos la crueldad que se vivía en dichos tiempos cuando existía la esclavitud. En este marco, el Director y Escritor, Quentin Tarantino, se centra en un tema siempre vigente: la libertad. La narra tanto exterior como interiormente. Desde la primera escena se muestra la privación de ésta en un modo exterior, corporal. A lo largo de la película nos encontramos que lo más esencial es la interna y lucha por manifestarse en todas sus dimensiones. Una de las expresiones expuestas en el largometraje es la venganza. Sentimiento que cuando llega una completa libertad es llevada al acto. Lo que interesa es saber si éste no vuelve a hacer esclavos, pero ahora, sólo de uno mismo. Cuestión que es expuesta en la tercera y último acto.

Si pudiera titular cada una de las tres partes de Django, a la luz de lo dicho anteriormente, lo haría de la siguiente manera: 1) búsqueda de la libertad exterior, 2) búsqueda de la libertad interior, 3) regreso a la esclavitud interior.

Búsqueda de la libertad interior

Cuando el Dr. King Schultz (Christoph Watlz) desencadena a Django (Jamie Foxx), inicia un proceso totalmente nuevo para este esclavo. Se plasma desde el hecho de montar un caballo a través de un pueblo que no va bien eso. Hay una lucha interna él para darse cuenta que es libre. Es notorio ver cómo en la cantina, aunque parece disfrutar la cerveza, no la toma toda. Experimenta la libertad, pero aún no sabe el modo cómo proceder. Teme pasar del encerramiento a la apertura de hacer su propia voluntad.

Búsqueda de la libertad interior

Django se da cuenta que el ser libre y ganar dinero junto al Dr. Schultz no lo hace sentir libre por completo. El recuerdo de su esposa y el deseo por volver a ella lo consume. Es por ello que acepta ayudarlo durante el invierno para poder ir después en búsqueda de Broomhilda. Aquí también comienza una transformación en el Dr. Schultz. El dinero comienza a no satisfacerlo por completo. Desea ayudar a Django y crece su odio a la esclavitud. La libertad interior no es algo superficial en esta película.

Regreso a la esclavitud interior

El último acto lo inicia el Dr. Schultz. Su odio a la esclavitud y la repulsión del trato que le tienen a los negros lo hacen comenzar una sangrienta venganza. Django se une. Se hacen esclavos de su pasión interna, de sus deseos de vengar tantos negros. Toman el camino equivocado.

Por Adrián Gutiérrez